草间人命    复制

         噪音。什么是噪音？噪音屬于聲音的范疇，仍然是一種共鳴，在傳播中干擾聽覺。一般人只要聽到這兩個字就禁不住打一個美學哆嗦，而一旦感覺到噪音的存在立馬會不由自主的閉上耳朵。然而在搖滾樂和電子樂中成長起來的年輕一代中，噪音的外觀已然搖身一變，成為某種黏合劑和催化劑，據說噪音甚至可以“治療十四種形式的憂郁”。有人甚至能在“200bpm以上的頻率中感覺到有如空中樓閣般的寧靜曠遠”，這是一種怎樣的體驗？噪音也許不象人們所想象的那么簡單，否則文化沙皇日丹諾夫為何對任何可能的噪音都如臨大敵呢？如果事實真如賈克·阿達利所說，音樂反映著一種流動的現實，在原始的多聲曲，古典的對位法，調性和諧，十二音階音樂和電子音樂之間，唯一的共同點是依據簡潔結構的變遷來賦予噪音形式的原則那么即使據說線性演進已不復可追，但大致的考察一下音樂史中噪音的源與流應當能夠更好的幫助我們理解音樂。噪海難道已經完全包圍了光明和諧之島？音樂的奧德賽難道已經到達終點了？

         從噪音的衍變的角度出發并按照某種通行的做法，也許可以把音樂的發展簡單的劃分為古典，現代和后現代三種形態，這樣的劃分只是為了言說的需要，事實上并無多大意義。在進入簡短的回憶之旅之前，我們也許應該好好理解下布洛赫的這段話，“為什么是音樂？為什么每個人都認為他理解它而沒有人知道它的意義是什么或者一段旋律的重要性是什么？而且人們確實知道。。。什么時候我們能夠最終開始清楚的理解它？音樂以它沒有限制的自由，面隊烏托邦，我們自己的烏托邦的遠征，這樣，在音樂中我們似乎聽到了遇到自我的回音”。如果我們確實對音樂本身寄托著什么，那么也許就不應該太自以為是，可能從音樂走向文字就是一種逆向行使。。。對于年輕一代音樂愛好者來說，古典音樂也許離我們太遠了一點，但僅僅從興德米德以下的話中我們就可以了解到在古典音樂中噪音的被禁止與憎惡，“在聲音世界中，三和弦符合音調低沉的力量。。。只要有音樂，就一直會發生對大三和弦的背離，然后再回歸它，因為它是所有和弦中最純粹和最自然的。作曲家不能離開它，就象畫家不能離開三原色，建筑師不能離開三維一樣”。要有人從事音樂考古的話，估計不能遺漏數學家畢達哥拉斯所預設的那個“數”的世界中天體運動的和諧天籟對人心的滌蕩。在古典音樂的語境中，不論個人觀點的細節有什么不同，調性和聲都是必然合理和自然的，一般的設想認為調性是永恒的，是上帝給予的，和聲是這種調性最完美和不可改變的表達；“實際上和聲是自然的一個事實，基于對前六個自然泛音和聲的結合的大三和弦之上，這是其合理的一個毫無疑問的保證”。以上的話簡而言之：和聲不僅是色彩化的和弦排列，而且也是音樂作品的中心結構。
       

        “如果是這樣的話，我將用畢生的精力用腦袋來撞墻。”說這話的正是先鋒音樂的啟蒙與教父John Cage，此話多象Big D 的宣言啊~雖然John Cage的名號遠不如Janis Joplin,Bob Dylan,Jimi Hendrix,John Lennon等人如雷貫耳，但是他的思想毫無疑問已經潛移默化進入了如今樂界的深層意識中。。。大致的翻看了一下John Cage的一本傳記，首先感受到的是此人對于心性上的敏感“他十分關注微小的細節，對他來說，每樣東西都是有生命”，“我真為那些人感到遺憾，他們居然認為肥皂盒子，鏡子或者可樂瓶子是丑陋的，就因為他們每天被這些東西包圍著。。。音樂的關注點逐漸從宏大轉向微觀。在最初，他的作品受到了評論家們的真誠的嘲笑，他傾注了極大情感與努力的作品《危險的夜》，被戲稱為“一只在教堂樓閣上的啄木鳥”。而在他后期的作品中所彌散出的禪宗氤氳，也許并非一時的心血來潮，恐怕和他從印度文化中所領悟到的“音樂應該讓思想變得冷靜和安寧，只有這樣才能感知到神的影響”。在這樣的思想中，調性的存在便可有可無，和聲被當作色塊來拼貼使用，“所有事物都是在創造中產生無一例外”，在這樣的神思綿延中，噪音與樂音的界限便動搖了，“哪一種聲音更有音樂性，一輛轎車從音樂學校門口開過還是一輛卡車從工廠開過？”，新音樂家們拒絕了古典音樂廉價的安慰與虛假的承諾，在他們看來，聲音本身比音樂更好聽，而噪音比起樂音來更為純粹而自由，“完全按聲音本身的走向，而不必按我的個人趣味！”《Silence-4-33》便用了一種最極端的方式回應了阿多諾的著名詰問“奧斯維辛之后還有詩歌（音樂）么？”在靜默與騷動之中，Cage認為他看到了“一個熱鬧非凡的場面——世界的無比豐富”。也許威伯恩說得更具有哲學意味“（噪音與樂音之間的）區別并非性質上的，而是數量上的，不和諧只是一個階梯”“（我們追求）純粹狀態的聲音，用直覺進行理解，或者甚至逼真的再現”“置身于任何先驗的音樂模式之外，把音樂置于括號之中”“（音樂）創造了它自己的本質”。
 

          正當先鋒們奮勇向前的時候，曾經贊美過現代音樂德國哲學家、社會學家和評論家阿多諾在他的《不協和音》中，也對這樣的行為的破壞性與危險提出了警告。按照新音樂家們的邏輯，恐怕很容易得到智性的混亂和意識的昏迷和情感的冷酷將更有助于音樂創造的結論，例如“為了反對闡釋，我們需要一種（音樂）色情學”之說。 這樣的“音樂”還是音樂么？ Schoenberg，John Cage唯一尊敬的音樂人，也是他的老師，這么談他的音樂理念，“我提出很多理論。。。我堅持不懈的這么做，充分意識到我只是呈現處我們指出過的對比性，我正在創造符號，僅僅是為了要把互相之間明顯疏遠的觀念聯系起來，通過表達的一致性提高可理解性。。。通過顯示。。。所有事實與一個單一觀念相關的大量方式，但我并不想要建立一個新的永恒原則。沒有一個上帝所賦予的原則，而只有一個保留有價值的暗示，知道它們被一種新的形式所完全或者部分的取代或取消”這種多少帶有結構主義的理想，據說已經在1953年“Schoenberg已死”的口號中被拋棄。然而，“并不是內心單獨創造了所有的這些美麗，富有感情，悲傷，慈愛和迷人的東西；頭腦本身也不能產生美好的結構，聲音的組織，邏輯以及復雜性。首先，在藝術中具有 巨大價值的每一個作品都一定同時顯示出心靈和理性。其次，真正創造性的天才在頭腦控制情感亢奮方面不會感到困難，如果頭腦只注重正確性和邏輯性，只會創造出干癟和不吸引人的東西，但是人們可能對不斷展示其心靈，需要我們同情的作品表示懷疑；它讓我們與它一起模糊，不確定的美以及還沒有發現的沒有根據的情感進行想象；夸張性是因為其缺乏可靠的標準；其簡單性就是其需求，貧乏和干枯;其甜蜜是虛假的。它的吸引力達到了膚淺的表面，這樣的作品只證明了頭腦的完全貧乏，表明這樣的多愁善感源于一個非常貧弱的心靈”，Schoenberg的話依然讓人警醒。。。“任何人都不懷疑一種不可否認的時代滑移。。。一種新的感受性正在形成”，新浪漫主義在音樂領域又悄然萌芽，波蘭作曲家戈萊斯基（Henryk Gorecki，1933——），曾經長期使用各種先鋒派手法，轉折點的到來是在1976年創作了一首以抒情見長的《第三交響曲》（“悲痛之歌”），歌詞采用了二戰時囚徒刻在奧斯維辛集中營墻上的詩句，音樂語言是那么傳統，卻又有新意，作品受到廣泛好評（依然是在奧斯維辛之后！）。此外，搖滾樂（當代最具有活力的音樂形式）的發展，如同一個回力標沿著它的回轉軌跡，在已經到某個極限時所做的一種歷史反芻。indie-- Electronica--post rock的先后醞讓興起，似乎便可以看成對搖滾樂發展起源的另一次大規模移轉與承起。近年來受到熱捧的后搖滾，可否看作是對于現代音樂的一種超越呢？尤其在后搖滾中，地域化的特色，北歐冰島—Sigur ros和Mum的玄幻飄渺，德克薩斯---Explosion in the sky的熱烈噴發，芝加哥--- Tortoise的緩飆內斂，魁北克的--- Godspeed You! Black Emperor的磅礴干冷,蘇格蘭--Mogwai考究而邪惡；日本—Mono和World end’s girlfriend菊與刀式的美學;個人化的語言，“小孩子式的牙牙學語”（hopelandic?）奮力達到語言的狀態，盡管我們受到了理解它的持續誘惑，但我們卻永不能充分理解它。。。更豐富的元素與更多元的訴求交織在一起。簡單的秩序與混亂二分是時代的孿生兒，人們有理由寄希望于21世紀——它或將是一個比20世紀更為“成熟”的世紀